Художник Степан Терещенко

Здравствуйте, расскажите, пожалуйста, о себе.

 

Я отношусь к поколению «зумеров», которые застали время «раньше было лучше» и теперь живут в мире постиронии и мемов. Мы застали всплеск развития интернета и остатки наследия СССР, одержимы эстетикой 70-х – 90-х. Я дизайнер, магистр, digital artist, арт-директор своей первой выставки в Санкт-Петербурге.

 

Расскажите, как и когда начался ваш творческий путь? Что положило начало?

 

В пред-детсадовском возрасте я получил от папы подарок-это был советский набор плакатной гуаши. Красной краской на альбомном листе я нарисовал огромное солнце. Это было мое первое произведение.

 

Сколько времени в день вы тратите на творчество?

4-12 часов. Часто после основной работы, не каждый день. Бывают долгие перерывы до нескольких месяцев, во время которых проходит неосознанная фаза творчества. Результатом творчества за день не всегда бывает что-то видимое, это может быть сложившаяся в голове концепция или план действий.

 

Ваше творчество приносит вам доход?

 

Сейчас скорее нет, чем да, поэтому мне приходится работать! Я только начинаю продвигать свое творчество, и говорить о прибыли рано. Но затраты на творчество необходимы: это материалы и техника, аренда выставочных пространств, оформление экспозиций. Когда я организовывал коллективную фотовыставку, сумма, собранная участниками, и донаты посетителей не покрыли моих расходов на организацию мероприятия. На этом этапе для меня самое важное – войти в арт-тусовку, найти полезные знакомства.

 

Как вы считаете, для художника важно зарабатывать на своём творчестве, или это просто приятный бонус?

 

На мой взгляд, это зависит от позиции художника. Под «художником» я подразумеваю любую творческую личность. Творчеством можно заниматься и ради денег, и ради своей идеи.

В первом случае творчество становится продуктом. Это популярное решение для малого бизнеса, например. В этой схеме автор планирует производство объектов творчества в соответствии со своими финансовыми ожиданиями. Здесь прибыльность важнее идеи. Правильно ли это? Наверное, для массы обывателей это хорошая возможность приобщиться к чему-то сколько-нибудь творческому, удовлетворить свою потребность потребления. Но такое массовое творчество не несет особой культурной ценности.

Другое дело – когда автор воплощает свою идею, не ограничиваясь сроками или бюджетом. В этом случае может получиться настоящее произведение искусства. Оно может обрести высокую цену и социальную значимость. Но если творчество является средством самовыражения, самопознания или терапии, оно может не иметь коммерческой ценности, потому что делается для себя. Ценность такого творчества заключается в утверждении своей уникальности.

Любое творчество требует финансовых вложений. Автору нужно выбрать, чем он будет зарабатывать на жизнь и покрывать расходы на творчество. Если своим творчеством, то важно на нем зарабатывать, если есть другие источники дохода – то нет. Я планирую прийти к комбинированной схеме, где серийные предметы моего творчества будут приносить стабильную прибыль, часть которой я смогу вкладывать в свои масштабные проекты.

фото 2.jpg

Мы знаем у вас есть интересный проект "Liminalmadness" расскажите о нем подробно, думаю читателям будет интересно узнать.

 

Сегодня массовое клиповое мышление интернет-сообществ вычленяет элементы эстетики из их контекста, так появляются «ламповые», «атмосферные» образы. Vaporvave, лиминальные пространства, постирония – что это? Мы не знаем. Но нам это нравится.

Слово «лиминальное» я нашел в глубинах интернета. Интересную статью о лиминальных пространствах написал RAMCPU для токийского онлайн-журнала Sabukaru.online. Если коротко, лиминальное пространство – это пространство на грани реальности и сна. Видеть его странно и непривычно, но оно обладает знакомыми нам чертами, как будто мы уже бывали в нем.

Это задворки воображения, где нет границ, а законы физики не работают должным образом. Это бесконечная череда странных комнат, в которых происходит нечто непонятное. Мне показалось, что это понятие точно описывает мои

фантазии. Я создал аккаунт в Инстаграме и начал собирать там свои арты и фотографии впечатливших меня пространств. Назвал проект Liminalmadness – Лиминальное Безумие.

К моему удивлению, нашлось много зарубежных цифровых художников, работающих в этой эстетике. Есть так же приверженцы этой темы, которые просто собирают соответствующие картинки в интернете.

Моя серия цифрового искусства из трех пространств выражает мое видение лиминальности и атмосферности. Не случайно работы выполнены в технике компьютерного трехмерного моделирования и фотореалистичной визуализации. Это виртуальная реальность, которую никто никогда не видел. Она создана на основе моих ассоциаций с реальным пространством и нацелена вызывать новые ассоциации с чем-то, что вы когда-либо видели, не видели, или боялись представить. Эта серия детально показывает и антифункциональное «розовое пространство» под палящим южным солнцем, стены которого облицованы кафелем общеизвестного формата, и газовые трубы идеальной формы, декорированные медным напылением, и пространство с непонятными законами гравитации. В серии использованы цвета, в которые красят свои волосы милленеалы и зумеры. Не бойтесь вообразить невообразимое!

Формат цифрового искусства позволяет масштабировать его для разных целей: это может быть и безразмерное виртуальное произведение, и постер в раме, и стена в интерьере.

Серию из трех цифровых работ проекта Liminalmadness я выставлял в частных галереях в Санкт-Петербурге и в специализированных онлайн-изданиях, посвященных современному искусству. В коллаборации со мной певец RetroFACE из Канады оформил обложку своего сингла артом «Розовое пространство». Я считаю это большим достижением в моем проекте.

 

Вы часто принимаете участие в выставках, многие считают, что выставляться для художника не так важно, что можете сказать об этом?

 

Выставляться важно. Во-первых, монитор не передает масштаба, тактильных ощущений, искажает цвета. Потом, выставка – это место творческой тусовки, где можно знакомиться с местными профессионалами, галеристами, обмениваться опытом. Наконец, галерея повышает статус работы.

Сейчас возможно собрать многомиллионную аудиторию и получить всемирную известность в Интернете. Но выставка дает то, чего нет в

Интернете. В галерее можно получить более полное впечатление о произведении – о его масштабе, технике. Если произведение объемное или интерактивное, то его вообще можно смотреть только вживую. Видео не позволяет взаимодействовать с инсталляцией в реальном времени, не передает тактильные ощущения.

Сейчас я работаю в цифровом формате, следуя новым веяниям технологий. Цифровое искусство отличается от традиционного тем, что оно создается в виртуальной среде. Поэтому логично выставлять его в электронных галереях и на NFT платформах, что я тоже делаю. А выставка цифрового искусства в офлайн галерее раскрывает его с другой стороны – это трансляция виртуальной среды в материальную, на картинную плоскость, у которой есть масштаб, который не передается через монитор. На одной из выставок интересно было наблюдать за реакцией посетителей, которые сравнивали висящие на соседних стенах акварельную живопись и мои распечатанные плакаты. Такое соседство вызвало бурные обсуждения.

Мне понравилось высказывание Лилианы Марре, директора галереи современного искусства Anna Nova в Санкт-Петербурге о том, что свою аудиторию можно собрать в интернете, а участие в выставках повышает статус художника и цену его произведения. Я не только выставляюсь, но и посещаю многие выставки современного искусства, чтобы быть в курсе тенденций

 

У вас есть фотопроект, как пришла идея и как вы реализовываете его?

 

Мой фотопорект – это коллекция цветофактурных сочетаний городской среды. Я нахожу композиции, образованные случайным соседством разных предметов, материалов, освещения. Это отслаивающаяся краска подворотен, выброшенные манекены, сплетения труб. Границы кадра определяют рамки, внутри которых живет композиция, напоминающая современное абстрактное искусство. Мои любимые элементы – наслоения краски, трубопроводы, странные инженерные сооружения. Я стремлюсь выявить в этом абсурдно случайную природу эстетики. Мое направление в фотографии я бы сопоставил с «urban photo» или «street photo». Они так же связаны с городской тематикой.

Но мои фото отличает отсутствие людей в кадре и акцент на деталях среды в определенном камерном масштабе.

Затея началась, когда у меня появился смартфон с камерой. Я стал фотографировать многое, что казалось мне эстетичным. Со временем я осознал, что больше всего меня вдохновляют текстуры старой урбанистической среды. Санкт-Петербург дает широкое поле для поисков в этой области. Я не профессиональный фотограф, снимки для проекта делаю на смартфон, главное – идея. Сейчас для меня это не просто фото, а поиск визуальных коннотаций искусства в обыденном.

Схожие идеи разделяют многие фотографы, среди которых есть профессионалы и просто талантливые люди. С их участием мне удалось организовать тематическую офлайн выставку с фотографиями, открытками и историями. Это была атмосферная тусовка, где собрались единомышленники из разных городов, а посетители оценили нетривиальную тематику выставки. Объем материала постоянно растет, поэтому я планирую дальше развивать проект в формате выставок, показывая разные его аспекты в тематических экспозициях.

 

Как вы считаете творческому человеку в современных реалиях продвигать своё творчество сейчас проще, чем раньше?

 

И да, и нет. Интернет дет много возможностей. Есть разные платформы для онлайн-продвижения, многомиллионная аудитория. Но, поскольку возможностей много, велика и конкуренция. Нужно и вкладывать деньги в продвижение, и создавать выдающийся контент.

 

Кем и где вы видите себя через 10 лет?

 

Трендсеттером в Америке.

 

Спасибо вам за беседу, мы желаем вам, что бы вдохновение вас не покидало и вы нас продолжали радовать потрясающими работами.