Dagtac
музей современного искусства
«Признать себя художником — это был не один момент»
Елена Шадоба рассказывает о своём пути в искусстве: как она слушала реакцию зрителей и внутренне позволила себе признать — «Да, я художник». Главный источник вдохновения для неё — природа: смена времён года, небо, море, луга, деревья, цветы. В творчестве Елена ищет свой почерк, экспериментирует с материалами, изучает современные технологии и искусственный интеллект. На выставке она покажет работы, созданные в период 2022–2025 годов, включая «Белеет парус…», «Парочка в море» и «Мчится мой парусник».
— Как начался ваш путь в искусстве? Помните ли момент, когда впервые почувствовали себя художником?
— Признать себя художником — это был не один момент. Я слушала, что говорят о моих работах, наблюдала за реакцией зрителей, ощущала, анализировала. И в какой-то момент внутренне позволила себе самой признать: «Да, я художник». Думаю, это важно — договориться с собой, а не только ждать внешнего признания.
— Что вдохновляет вас создавать? Есть ли источники вдохновения, к которым вы особенно часто обращаетесь?
— Главный источник — природа. Смена времен года, небо, море, луга, деревья, цветы… Я понимаю, что лучше, чем создано природой, невозможно. Можно лишь создавать свои реплики, собственное прочтение — в мазках, фактуре, эмоциях.
— Вы говорите о поиске своего «творческого слова». Как вы понимаете этот процесс?
— Для меня творчество безгранично разнообразно. Хочется, чтобы мой почерк был узнаваемым, оригинальным, нескучным и интересным зрителям, искусствоведам, галеристам. Поэтому я учусь, исследую, пробую новое — в том числе изучаю современные технологии, даже искусственный интеллект, чтобы понять, как он может помочь в самовыражении.
— Какие обстоятельства или внутренние состояния особенно повлияли на ваше направление в искусстве?
— Меня привлекает импрессионизм, современное искусство, эмоциональное быстрое рисование. Я работаю с фактурами, экспериментирую с материалами, использую ресайклинг и апсайклинг. Интересно создавать необычное из неожиданного.
— Почему именно морская тема и фактура стали для вас сейчас важны?
— Море — это глубина человеческой души. Оно манит, завораживает, иногда пугает, но всегда вдохновляет. В нем сила, красота и потенциал жизни. Через море я говорю о потаенных уголках внутреннего мира.
— Что для вас важнее в работе — техника или эмоции?
— Хорошее искусство — то, что не оставляет равнодушным. Оно привлекает взгляд, рождает эмоции. Я восхищаюсь мастерством великих художников прошлого и современности, поэтому стараюсь развивать технику. Но при этом важно, чтобы работа несла энергию и внутренний отклик.
— Как вы пришли к импрессионизму? Это был осознанный выбор или интуиция?
— Это была любовь с первого взгляда. Я поняла это, когда впервые увидела мастерские художников на Крымском валу и картины импрессионистов в Эрмитаже. Радость и вдохновение от их живописи оставались со мной надолго. Когда начала писать сама, другого просто не хотелось. Импрессионизм — это недосказанность, возможность зрителю дорисовать в своем воображении, визуальная медитация, разговор с подсознанием.
— Что делает картину «живой» для зрителя?
— Энергия художника. Она передается через работу. Как-то одна зрительница сказала мне: «Ваши картины живые. Это ощущение осталось со мной еще на несколько дней после выставки». И для меня это самый ценный отзыв.
— Какие чувства вы хотите пробудить у зрителя, глядящего на ваши морские абстракции?
— У каждого человека есть свое «море» — море возможностей и потенциала. Мне хочется, чтобы зритель, глядя на мои работы, почувствовал это в себе.
— Расскажите о трех работах, которые вы представите на выставке. Есть ли у них особая история или значение для вас?
— Работы для выставки созданы в период 2022–2025 годов. Первая — «Белеет парус…», написана маслом на картоне. Я редко работаю маслом, поэтому для меня она особенная. В ней — легкость, беззаботность, солнечное тепло и спокойное море. Зритель смотрит на парусник и мечтает о чем-то своем, светлом.
Вторая — «Парочка в море», с фиолетовыми парусниками. Она написана ранним летним утром, стремительно и эмоционально. Тогда я создала несколько миниатюр с парусниками, многие уже нашли своих владельцев, но с этой работой расстаться особенно трудно.
Третья — «Мчится мой парусник в сказочный путь». Она писалась в несколько этапов и стала для меня метафорой жизни. Парусник — это человек, а волны — взлеты и падения. Будущее неизвестно, но движение продолжается. Фактурная живопись добавляет еще один слой смысла — каждый мазок как отдельный опыт, формирующий наш путь.
— Как вы относитесь к понятию «радость в творчестве»? Всегда ли искусство — это про радость?
— Не всегда. Если работа пишется без радости, в ней проявятся другие эмоции — и это тоже может быть нужно зрителю. Я помню, как искусствовед рассказывал о исследовании: оказалось, зрителей больше всего притягивают картины, которые каким-то образом похожи на них самих. Каждый ищет в искусстве отражение своего внутреннего мира.
— Какие у вас творческие планы на будущее? Планируете ли вы развивать тему моря или искать новые горизонты?
— Сейчас я чувствую, что творчество — это мой ресурс и источник вдохновения. Хочется идти дальше, раскрывать новые горизонты. В ближайших планах — продолжить тему моря и парусников, а также создать серии «Ангелы времен года» и «Цветы, которые люблю».
Мои идеи часто приходят с рассветом — это время я называю «Час Бога». Именно в такие часы появилась серия «Золотой час» — фактурные абстракции с морем, парусниками и небом в золотом сиянии.
— ¿Cómo comenzó su camino en el arte? ¿Recuerda el momento en que se sintió artista por primera vez?
— Reconocerme como artista no fue un solo momento. Escuchaba lo que decían sobre mis obras, observaba la reacción de los espectadores, lo sentía, lo analizaba. Y en algún momento me permití internamente reconocer: «Sí, soy artista». Creo que es importante ponerse de acuerdo consigo misma, y no solo esperar el reconocimiento externo.
— ¿Qué la inspira a crear? ¿Hay fuentes de inspiración a las que recurra con especial frecuencia?
— La principal fuente es la naturaleza. El cambio de estaciones, el cielo, el mar, los prados, los árboles, las flores… Entiendo que nada puede ser mejor que lo creado por la naturaleza. Solo se puede crear una réplica propia, una interpretación personal —en pinceladas, texturas y emociones.
— Habla de la búsqueda de su «palabra creativa». ¿Cómo entiende este proceso?
— Para mí, la creatividad es infinitamente diversa. Quiero que mi estilo sea reconocible, original, no aburrido e interesante para el público, los críticos de arte y los galeristas. Por eso aprendo, investigo, pruebo cosas nuevas —incluso estudio tecnologías modernas, incluso la inteligencia artificial, para entender cómo puede ayudar en la autoexpresión.
— ¿Qué circunstancias o estados internos han influido especialmente en su dirección artística?
— Me atrae el impresionismo, el arte contemporáneo, la pintura emocional rápida. Trabajo con texturas, experimento con materiales, utilizo reciclaje y upcycling. Me interesa crear lo inusual a partir de lo inesperado.
— ¿Por qué el tema del mar y la textura se han vuelto importantes para usted ahora?
— El mar es la profundidad del alma humana. Atrae, fascina, a veces asusta, pero siempre inspira. En él hay fuerza, belleza y potencial de vida. A través del mar hablo de los rincones ocultos del mundo interior.
— ¿Qué es más importante para usted en el trabajo: la técnica o las emociones?
— El buen arte es aquel que no deja indiferente. Atrae la mirada, genera emociones. Admiro la maestría de los grandes artistas del pasado y del presente, por eso intento desarrollar la técnica. Pero al mismo tiempo, es importante que la obra transmita energía y una respuesta interna.
— ¿Cómo llegó al impresionismo? ¿Fue una elección consciente o intuición?
— Fue amor a primera vista. Lo entendí cuando vi por primera vez los talleres de los artistas en Krymsky Val y los cuadros de los impresionistas en el Hermitage. La alegría e inspiración de su pintura permanecieron conmigo durante mucho tiempo. Cuando comencé a pintar yo misma, simplemente no quería otra cosa. El impresionismo es la indefinición, la posibilidad de que el espectador complete la obra en su imaginación, una meditación visual, una conversación con el subconsciente.
— ¿Qué hace que un cuadro sea «vivo» para el espectador?
— La energía del artista. Se transmite a través del trabajo. Una vez una espectadora me dijo: «Sus cuadros son vivos. Esa sensación permaneció conmigo varios días después de la exposición». Y para mí, esa es la crítica más valiosa.
— ¿Qué sentimientos desea despertar en el espectador al mirar sus abstracciones marinas?
— Cada persona tiene su propio «mar» —el mar de posibilidades y potencial. Quiero que el espectador, al mirar mis obras, lo sienta en sí mismo.
— Cuéntenos sobre tres obras que presentará en la exposición. ¿Tienen alguna historia o significado especial para usted?
— Las obras para la exposición fueron creadas entre 2022 y 2025. La primera —«Blanquea la vela…»— está pintada al óleo sobre cartón. Rara vez trabajo al óleo, por eso es especial para mí. En ella hay ligereza, despreocupación, calor solar y un mar tranquilo. El espectador mira el velero y sueña con algo suyo, luminoso.
La segunda —«Parejita en el mar», con veleros violetas. Fue pintada temprano por la mañana, de manera rápida y emocional. Entonces creé varias miniaturas con veleros, muchas ya encontraron dueños, pero con esta obra es especialmente difícil separarse.
La tercera —«Mi velero corre hacia un viaje fantástico».
Se pintó en varias etapas y se convirtió para mí en una metáfora de la vida. El velero es la persona, y las olas son los altibajos. El futuro es desconocido, pero el movimiento continúa. La pintura con textura añade otra capa de significado: cada pincelada es una experiencia separada que forma nuestro camino.
— ¿Cómo se relaciona con el concepto de «alegría en la creatividad»? ¿Siempre es el arte sobre la alegría?
— No siempre. Si la obra se pinta sin alegría, se manifestarán otras emociones, y eso también puede ser necesario para el espectador. Recuerdo que un crítico de arte hablaba de un estudio: resultó que a los espectadores les atraen más las pinturas que de algún modo se parecen a ellos mismos. Cada uno busca en el arte un reflejo de su mundo interior.
— ¿Cuáles son sus planes creativos para el futuro? ¿Planea seguir desarrollando el tema del mar o buscar nuevos horizontes?
— Ahora siento que la creatividad es mi recurso y fuente de inspiración. Quiero avanzar, descubrir nuevos horizontes. En el corto plazo, continuaré con el tema del mar y los veleros, y también crearé las series «Ángeles de las estaciones» y «Flores que amo». Mis ideas a menudo vienen con el amanecer —a esta hora la llamo «La hora de Dios». Fue en estas horas cuando surgió la serie «Hora dorada» —abstracciones con textura del mar, veleros y cielo en resplandor dorado.
